miércoles, 28 de septiembre de 2016

José Luis Arbulú: “Kataphraktós busca que nos miremos a nosotros mismos”




"La mirada como elemento importante en mis cuadros es prácticamente mi marca, la tengo en mi disco duro y aparece de manera inconsciente", dice el artista que esta noche inaugura su catorceava exhibición individual...







Hoy en la galería de arte Yvonne Sanguineti de Barranco, se inaugura la exposición *Kataphraktós, catorceava individual de reconocido artista plástico José Luis Arbulú, quien explora la naturaleza de nuestros vínculos, el tiempo urgido de anhelos y revestido de arrogancia e indiferencia.  El pintor crea escenarios con la mirada y la presencia femenina como centro, combinando y elaborando composiciones cuyas piezas mantienen una identidad común que fluctúa entre lo claro y lo  insondable, dentro de una base analítica binaria de claro/oscuro, simetría/asimetría, cromático /acromático, temporal/atemporal.

Al respecto Lima en Escena charló  con el artista.

-José Luis, ¿cómo surge Kataphraktós, tu nueva exposición de pintura?

-Kataphraktós, es mi catorceava individual y parte de la palabra en sí. No tenía idea del significado. A partir de mis lecturas e investigaciones sobre el origen de la misma empiezo a trabajar con este concepto como un elemento protector ligado a las antiguas guerras. A través de Kataphraktós, trato de conducir al ser humano a una lectura sobre su parte interna y externa. Lo externo está ligado a la vestimenta, a la forma cómo te proteges, a la apariencia que deseas dar. La parte interna está referida a las corazas íntimas que se crean para protegerse del mundo externo o de tus propios demonios.

- Kataphraktós toma como elemento principal la imagen de la mujer y la mirada como elemento predominante en cada uno de tus cuadros como sucedió también en tus anteriores muestras. ¿A qué responde esta recurrencia?

-La necesidad de proponer en mis obras la imagen de la mujer a partir de la mirada surgió desde la época de estudiante. Mi primera experiencia de retrato fue precisamente la de una mujer a la par con una investigación que giraba en torno a la obra de Picasso en su periodo azul y rosa. Durante esta etapa me interesé por las miradas lánguidas de estos personajes. 

Me fascinaba también el estudio de la época Renacentista, particularmente el referido a la obsesión de la mirada. Todo esto se complementó y de alguna manera se nutrió con la experiencia de vida, mis viajes, mis visitas a los grandes museos, el contacto con otras obras de arte. La mirada como elemento importante en mis cuadros es prácticamente mi marca, la tengo en mi disco duro y aparece de manera inconsciente. Siempre son personajes cuya contemplación nos llevan al pasado dentro de un contexto moderno, actual. 




-Kataphraktós, es un tema que surge durante la época griega pero que también establece un vínculo con lo moderno como lo que encierra el fenómeno de las redes sociales ¿De qué manera pones en debate lo histórico con lo actual?

-Las redes, por ejemplo, podrían ser una forma de Kataphraktós. A través de las redes sociales los individuos aparentan y ocultan parte de su ser. Se oculta lo malo principalmente. Kataphraktós es un poco eso. Un sistema difícil de derrotar porque te demuestra demasiado poderío, demasiada fuerza. Mi ideal en esta exhibición es que ese  Kataphraktós se abra y poder mirarnos a nosotros mismos. Debemos conocernos, conocer a los demás. Si bien a través de las obras de esta exposición observas este elemento de protección, ese mismo Kataphraktós puede ser una carga. En síntesis, nosotros podemos salir de este Kataphraktós y ser nosotros mismos.

- Forman parte de Kataphraktós obras en gran y pequeño formato

-Sí. La muestra tiene cuadros en gran y pequeño formato. En el gran formato cuento pequeñas historias de personajes imaginados. En el pequeño formato hago una fusión de técnicas, de texturas, de fragmentos poco casuales. Busco relacionar todos estos elementos sueltos y armo un Kataphraktós sobre la base de un rostro pequeño.

-¿Cuáles son las grandes cambios que tu consideras se dan en este Kataphraktós y la exhibición anterior?

-En “Fragmentos de la memoria”, la muestra anterior, jugué con elementos bélicos. Aparecían aviones, soldados… En Kataphraktós existe una relación con el tema bélico pero desde una mirada y periodo más antiguo. Si anteriormente me impactó el tema de la guerra y lo trasladé a la pintura a través de algunos juegos de mi etapa infantil de manera subconsciente, en esta exhibición sigue latente la guerra desde una mirada histórica y moderna.

-Esta especie de guerra virtual que viven las comunidades de usuarios ante determinadas problemáticas…

-No cuestiono exactamente esta problemática pero si la planteo como una forma de reflexión. De manera oculta, críptica. Después de observar los cuadros los visitantes y el público podrán identificar símbolos que les plantean estos temas.


*Kataphraktós, armadura, protección, coraza. Nuestra imagen proyecta, nos define ante la mirada del otro, establece un límite no biológico entre lo corporal y lo externo.








Estrenan Grietas en el Teatro Ensamble



Obra ganadora del Festival de Dramaturgia Sala de Parto anuncia temporada teatral




Este 20 de octubre, en el Teatro Ensamble de Barranco se estrena Grietas, pieza teatral escrita por Christian Saldívar y dirigida por Jamil Luzuriaga retrata la búsqueda de una identidad en un contexto donde la violencia se suele camuflar.

La puesta en escena cuenta con un elenco de primer nivel conformado por el actor Joaquín Escobar, Moyra Silva, SylviaMajo, Antonio Arrué y Manuel Calderón, quienes llevarán al público de un ambiente de cotidianidad a la total incertidumbre, desenterrando inevitablemente las razones de una casa hecha cenizas.

Grietas, nos presenta a Javier, a principios de la década de 1990, quien a sus próximos 20 años no ha sabido reconocerse en su casa, universidad ni país. Una noticia produce un desencuentro personal frente a sus convicciones contra las costumbres, los secretos de su familia y la final revelación del escape de su hermana, Lorena, hace siete años.

El drama de una familia peruana poco vista en las tablas que está ambientado en la transición de los años 80 a los 90 en Lima. Época de incertidumbre y desinformación. En un entorno de secretos, migración y falsa seguridad. Cada quien intenta encontrar un refugio donde pueda reconocerse, donde el pasado ya no pueda perseguirlo, porque su lugar, su casa, nunca lo ha sido realmente. La violencia persiste, se esconde tras la cotidianidad y el eufemismo. ¿Cuánto resiste una coraza hecha de costras? ¿Adónde pisar cuando la superficie desaparece?

Sobre la directora

Jamil Luzuriaga estudió Filosofía en la UNMSM. Ha seguido estudios de actuación en el IV Taller de Formación Actoral de Ópalo, dirigido por Jorge Villanueva, y en el Laboratorio Teatral de Cuatro Tablas, dirigido por Mario Delgado. Ha participado en el Taller de Dramaturgia de Sara Joffré. Y ha realizado asistencia de dirección en Calígula, Las Neurosis Sexuales de Nuestros Padres y Casa Ajena, obras dirigidas por Jorge Villanueva en 2014. Además, codirigió Oleanna, de David Mamet, obra ganadora del premio del público en el XII Festival de Teatro Peruano del ICPNA (2014). Como actriz ha participado en En el jardín de Mónica de Sara Joffré, dirigida por Omar del Aguila (2015).

Sobre el dramaturgo

Christian Saldívar estudió Traducción e Interpretación en la universidad Ricardo Palma. Ha realizado distintos talleres de escritura teatral, con Gonzalo Rodríguez Risco, Mariana De Althaus, César De María, Claudia Sacha, Diego La Hoz, Claudio Tolcachir (Argentina), Mauricio Kartún (Argentina), Trinidad Piriz (Chile), Alexis Moreno (Chile), Bosco Cayo (Chile), y Sergi Belbel (España). En 2014 su obra Grietas es premiada en el Festival Sala de Parto del Teatro La Plaza, y traduce la obra Oleanna. En 2015, su obra Alba y el misterio de la luz secreta gana el segundo lugar en el concurso de Nueva Dramaturgia, categoría para niños, del Ministerio de Cultura. Entre las obras que ha escrito en colaboración con grupos teatrales se encuentran: Amanecer, La Tierra de la fortuna, Cama adentro, Rastros, y Piel de papel.




Estreno: jueves 20 de octubre
Funciones: de jueves a sábado, a las 8 pm.
Domingos, 7 pm.
Lugar: Teatro Ensamble de Sergio Galliani
Av. Bolognesi 397 Barranco
Entradas: General  S/. 35; Estudiantes S/. 20
Atrápalo.pe, Papayapass.com y boletería del teatro
Preventa: hasta el 19 de octubre






Ivette Palomino ofrecerá Seminario de Producción para Proyectos Escénicos




El contenido del mismo abarca desde los conceptos generales de la producción teatral, hasta aspectos puntuales como los derechos de autor




Este 10 de octubre la Asociación Venaver da inicio al Seminario de Producción para Proyectos Escénicos a cargo de la exitosa productora Ivette Palomino: "La ciudad y los perros" – Festival Santiago a Mil y Viva México- "Un informe sobre la banalidad del amor", "Katrina Kunetsova y el clítoris gigante", "Criadero"- Festival Mirada do Santos y FILBO 2014, entre otras.

Este seminario teórico práctico facilitará a los participantes herramientas a utilizar durante el proceso de pre producción y realización de un espectáculo escénico a nivel teatral, así como la guía para la postulación y realización de montajes en escenarios locales e internacionales.

El contenido del seminario abarca desde los conceptos generales de la producción teatral, hasta aspectos puntuales como los derechos de autor, diseño de dossier, planificación, viabilidad del proyecto, financiamiento, seguimiento y control de la temporada y asesorías.



Calle Miguel Aljovín 406 – Miraflores
Días 10, 12 y 14 de octubre
03 sesiones de 07:00 pm a 10:00 pm
Inscripciones e informes
y/o al teléfono 992683049




martes, 27 de septiembre de 2016

Teatro de Lucía presenta La estación de la viuda



Protagonizada por la primera actriz Lucía Irurita junto a Mirna Bracamonte, Claudio Calmet, Nicolás Fantinato, José Antonio Buendía, Kike Casterot, Adriana Cuba, Valquiria Huerta y César Padrón.




Para cerrar con broche de oro su temporada teatral del año 2016, el Teatro de Lucía presentará, -con el apoyo de la Fundación BBVA y la Asociación ACAU-, la comedia La estación de la viuda, del dramaturgo francés Eugène Labiche, pieza dirigida por Norma Berrade. La puesta en escena, protagonizada por la primera actriz Lucía Irurita.

La estación de la viuda cuenta la historia de Madame Champbaudet “la viuda” quien se ha prendado de Paul Tacarel, un joven arquitecto que la visita frecuentemente con el fin de diseñar un mausoleo funerario en memoria de su difunto esposo. Pero este joven arquitecto solo la visita por los placeres secretos que comparte con la vecina de la viuda: Aglae Garambois, una joven mujer casada.

Cada vez que su marido se ausenta, el arquitecto toca la trompeta para averiguar si la vía está libre y Aglae le responde tocando el piano. Sonidos que bastan para incomodar y confundir a todo el edificio, creando una sucesión de situaciones absurdas y descomunales malentendidos, hasta que un día el marido aparece sospechando que ha descubierto la estratagema. Hilarante comedia-vodevil magistralmente escrita por Labiche.




La estación de la viuda significará para Lucía Irurita su retiro definitivo de los escenarios, después de 50 años de hacernos disfrutar en sus cerca de 100 obras teatrales donde presentó su talento, su entrega actoral y el amor infinito a los escenarios. Fue la primera actriz en crear una Compañía de Teatro en el Perú y en profesionalizar a los actores remunerándoles por su trabajo. En el año 2012, junto con su familia, inaugura una nueva sala el Teatro de Lucía donde ha producido quince obras hasta la fecha.

Con una vasta carrera actoral donde se ha desenvuelto televisión, radio y la actuación entre las últimas obras que ha participado tenemos: De repente el verano pasado de Tennesse Williams, bajo la dirección de Alberto Isola y Norma Berrade; y, Teresa Raquin de Èmile Zola dirigido por Carlos Mesta.

Teatro de Lucía
Entrada General: S/.53.00
Estudiantes: S/.27.00
Jubilados: S/.37.00
Lunes popular: S/.32.00
Funciones de jueves a lunes (8:00 p.m.) 
Domingos (7:00 p.m.)
Entradas: Teleticket y la boletería del teatro







Se estrena Sin aliento en el Teatro Ensamble de Barranco





Un espectáculo que pone en diálogo dos obras cortas de dramaturgia contemporánea: Con los pies en el agua (Gregor Díaz) y Maratón de Nueva York (Edoardo Erba) 






A la diversa oferta teatral que viene creciendo en Lima, se suman nuevas y atractivas propuestas escénicas. En esta oportunidad, la obra de teatro Sin aliento presenta una corta temporada de diez funciones desde el sábado 01 de octubre a las 8:00 pm en el Teatro Ensamble de Barranco.

Sin aliento es un espectáculo que pone en diálogo dos obras cortas de dramaturgia contemporánea: Con los pies en el agua (Gregor Díaz) y Maratón de Nueva York (Edoardo Erba), unidas por el tema de la capacidad de resistencia del ser humano, el umbral de nuestro nivel de lucha por sobrevivir y trascender a situaciones inevitables como la muerte, el hambre y la fragilidad de la condición humana.

Con una narrativa y estética atractivas y basadas en montajes evocadores y no naturalistas, el espectáculo busca llevar al público al límite mismo de la reflexión sobre la trascendencia humana y la capacidad para resistir, dejando a los espectadores literalmente sin aliento.




Ambas son obras con las que los actores Nicolás Valdés, Daniel Cano, Guillermo Rendón y Valentín Prado se graduaron de los talleres de formación actoral de los reconocidos directores Alberto Ísola y Roberto Ángeles. Estas obras fueron dirigidas en los respectivos talleres y ahora se presentarán como espectáculo por los propios exalumnos. Los invitamos a disfrutar de esta propuesta, realizada con el esfuerzo de este equipo de jóvenes artistas escénicos.

Sin aliento
Teatro Ensamble
Av. Bolognesi 397, Barranco
Del 01 al 16 de octubre, de jueves a domingo
Hora: 8:00 p.m.
Entrada General: S/. 35 nuevos soles
Estudiantes y jubilados: S/. 25 nuevos soles
Preventa hasta el 30 de setiembre: S/. 20 soles.
Venta de entradas:  Atrápalo










viernes, 23 de septiembre de 2016

Marita Palomino: “Pinto, escribo y actúo, tres disciplinas que implican un trabajo poético”




La pintora, poeta, actriz y autora del libro "vida Ávida" nos detalla algunos aspectos relevantes de sus actividades como artista multifacética 






Pintora, poeta, actriz y bailarina de marinera, Marita Palomino presentó hace poco su poemario "vida Ávida" , libro cuyo contenido nos ofrece dos secciones: la primera dedicada a Emma, personaje principal de la novela Madame Bovary, escrita por Gustave Flaubert, y la segunda referida a una poética más personal e intimista.

Actualmente, Palomino forma parte del colectivo literario y teatral Monólogos Femeninos, elenco de artistas que vienen interpretando a una serie de personalidades tanto de la mitología griega como de la cultura artística contemporánea. En Monólogos Femeninos Marita da vida a Emma, la protagonista de la emblemática novela del popular novelista francés.

Asimismo, se encuentra ultimando detalles de lo que será la exposición colectiva Mujer x Mujer, exhibición que reunirá obras de una serie de artistas que vienen laborando en base al libro Segundo sexo de  Simone de Beauvoir. La muestra tiene como segundo título Identidad o Representación. Para charlar al respecto Lima en Escena contactó a Marita Palomino.




-Marita, tu poemario "vida Ávida", es un libro que tiene dos secciones bien definidas. En la primera parte nos ofreces un tributo lírico al personaje Madame Bovary de Gustave Flaubert y en la segunda accedemos a versos personales sobre temas diversos como la soledad. ¿Cómo surgió este interés de hacer poesía desde el personaje de Emma?

-Todo surgió a partir de mi participación en el colectivo teatral y literario Monólogos Femeninos. La poeta Ana María García me invitó a formar parte de este grupo en el cual asumí el papel de Emma. Fue un reto para mí escribir el texto y representarla.  Poner en escena a una Emma de carne y hueso no fue fácil. Finalmente, asumí el personaje y le di vida. Paralelamente a todo este trabajo teatral surgió la escritura poética sobre ella. Me volqué a escribir poesía y todo fluía en torno a Emma Bovary. Así nació el poemario. 

-Toda la configuración que tienes sobre Emma  se transfigura en poesía. ¿Es tu particular mirada poética sobre el papel de la mujer en este periodo histórico…?

-Todo escritor tiene una óptica, una mirada particular sobre la sociedad y lo que nos rodea. Escribimos de nuestro cotidiano y de lo que nos perturba o conmueve. Observar, interpretar y analizar un personaje como Emma es también adentrarnos al universo femenino desde diversas aristas siendo la insatisfacción la principal. Emma o Madame Bovary me interroga siempre ¿Qué tanto de insatisfacción hay en cada ser humano? … Es desde esta interrogante que empiezo a realizar esta travesía poética.

-Emma es un personaje enigmático. ¿Es un tributo a la representación literaria o a los diversos periodos dramáticos que paso?

-Es un tributo a todo lo que ella representó. Opté por escribir poesía tomando como base la vida de Emma. Presumo que algo de ella hay en mí. Siempre me pregunté: ¿cómo habrá procesado Emma la insatisfacción?...
De pronto tengo más herramientas de escape y puedo procesar mejor el tema de la insatisfacción. Ella acabó con su vida por no tener resuelto una serie de conflictos existenciales y sociales. Ahora, pese a la mojigatería, los tiempos son otros.

-Crees que te has mimetizado con el personaje o sencillamente es una necesidad de hablar sobre temas comunes…

-Más allá de tener una identificación con el personaje está latente la necesidad de hablar sobre temáticas comunes en una sociedad tan conservadora como la nuestra. Tengo una filiación con Emma pero también deseo expresar asuntos que me interesan a través de ella. Principalmente problemáticas vinculadas al tema de la mujer.

-¿Cómo un personaje de la literatura universal deviene en un libro de poesía personal?

-La narrativa y la poética tienen sus particulares formas de tejer y complementarse. La novela Flaubert desnuda una serie de problemáticas además de la soledad, el desamor, el tedio, las frustraciones y los prejuicios en una sociedad absolutamente conservadora.  En todas partes uno encuentra a una Emma, una joven llena de ilusión antes de llegar al matrimonio, relación que deviene en la decepción y el fracaso. Toda esta crudeza me motivó a escribir poesía. De la fatalidad y el fracaso de Emma surgió este poemario.

-Poemario que también sale del homenaje y nos lleva a la parte más íntima y personal que te identifica: la convivencia, la soledad, el tiempo, el deterioro…

-Sí el libro tiene una segunda parte en la que escribo en gran medida de todo lo que me acontece. El tema de la sexualidad, la edad, en otras palabras una retrospectiva biográfica. Esta sección tiene varias etapas las cuales de alguna manera son las de mi vida.

-Este libro contiene imágenes. Tus cuadros acompañan algunos poemas y la portada. En este texto confluyen la lírica y la plástica, ¿no?

-Sí, desde que empecé a trabajar en el poemario pensé acompañar algunos versos con mis trabajados de pintura. Deseaba hacer de este poemario un objeto artístico también.

-¿Cómo surge la Marita poeta?

-A partir de la necesidad de expresarme. La poesía es un canal para decir las cosas. Este deseo de decir qué pasa, qué sucede en nuestras vidas y fuera de ellas.

-Tienes una especial predilección por Blanca Varela. ¿Por qué?

-Blanca Varela es la poeta que más admiro, admiración similar a la que siento por Tilsa Tsuchiya en las artes plásticas. Dos paradigmas tanto en la literatura como en la pintura peruana. El arte de ambas es el tipo de creación que llama mi atención. La sugerencia, lo onírico, lo que no es obvio. No me gusta el arte panfletario.




-Permíteme tocar el tema de las artes plásticas. Hace poco realizaste una muestra individual la cual rompió con tus individuales anteriores…

-Sí. Esta muestra se llamó Lírica de la nostalgia, centrada en trabajos de cerámica, propuesta totalmente diferente a la exhibición “Color y la trama”, exposición anterior en la cual estaba más focalizada en el tema del color, de los óleos. Me gusta hacer paisajes urbanos. Los planos de color como las casas, las paredes. Me detengo en las texturas de las paredes deterioradas, el piso, la vereda rota. En la última muestra intervine algunos de mis cuadros obteniendo imágenes de efectos abstractos. Todos estos nuevos elementos le dieron ese giro distinto a esta exposición de la que me hablas.  

-Ya que estamos hablando de tu trabajo pictórico. Recurrentemente abordas el tema femenino… ¿A qué responde esta necesidad?

-Fundamentalmente a un tema estético y de interés personal de trabajar a la mujer. En algunas colectivas inclusive he trabajado el tema de género. Por una y otra razón me involucro en estos temas en donde la mujer es la protagonista. Es una necesidad inconsciente.  

-Incluso en estos momentos estas trabajando una muestra colectiva con un grupo de artistas.

-Sí, la muestra se llama Mujer x Mujer. Estamos trabajando un grupo de artistas plásticas en base al libro Segundo sexo de  Simone de Beauvoir. La exhibición tiene como segundo título Identidad o Representación. ¿Hasta qué punto la mujer es una construcción social? ¿Se nace mujer o nos construimos conforme nos desarrollamos?... Partimos de todas estas interrogantes para crear toda una interpretación pictórica.

-Finalmente… Charlemos sobre tu trabajo en el teatro. En este momento formas parte del elenco Monólogos Femeninos.

-Sí. Forma parte del colectivo e interpreto a Emma. Justamente de esta interpretación nace este poemario del cual hablamos al inicio de nuestra charla. No es fácil dar vida a Emma arriba en el escenario. Pararse y hablar desde el tema de la infidelidad me confronta con el público. Después de algunas temporadas y de todo el proceso de maduración del mismo debo de admitir que le tengo cariño y sin duda es una experiencia edificante.

-Hace unos días hicieron una función en el penal. Cuéntanos sobre esta experiencia.

-Fue conmovedor. Recuerda que cada una de las chicas que está en el penal tiene una historia que contar. Compartimos con ellas y las motivamos a leer.

-¿Qué implica desplazarse por disciplinas como la pintura, la poesía y el teatro?


-Las tres disciplinas implican un trabajo poético. Despierto y empiezo a laborar casi en simultáneo. Es decir: pinto, escribo y actúo. 








domingo, 18 de septiembre de 2016

José Luis Arbulú inaugura Kataphraktós





La presencia femenina destacada en los recientes cuadros de uno de los pintores más importantes del país  




La galería de arte Yvonne Sanguinetipresenta la exposición “Kataphraktós”, catorceava individual realizada por el artista plástico José Luis Arbulú. La muestra está conformada por una selección de pinturas de pequeño y mediano formato trabajadas en la técnica mixta. Kataphraktós, armadura, protección, coraza. Nuestra imagen proyecta, nos define ante la mirada del otro, establece un límite no biológico entre lo corporal y lo externo.

En esta muestra, Arbulú explora la naturaleza de nuestros vínculos, al tiempo urgido de anhelos y revestido de arrogancia e indiferencia.  Utilizando la metáfora del catafracto, el pintor crea escenarios con la mirada y la presencia femenina como centro, combinando y elaborando composiciones cuyas piezas mantienen una identidad común que fluctúa entre lo claro y lo  insondable, dentro de una base analítica binaria de claro/oscuro, simetría/asimetría, cromático /acromático, temporal/atemporal.



Las pinturas que componen esta muestra presentan geometrías directoras, y matrices formales, simbolizando contenidos lógicos en contrapunto con lo absurdo. En palabras del artista: “apelo al uso de la intensidad y variedad del  color  como acentos emocionales que generen vínculos  de atención con el espectador. Para renacer a sí mismo necesitamos ir a la búsqueda de nuestra verdadera identidad, más allá del catafracto, en la profundidad de nuestro ser.

Y citando a Storni:

“Quizá nos encontremos frente a frente algún día
Quizá nuestros disfraces nos logremos quitar
Y ahora me pregunto…cuando ocurra, si ocurre
¿Sabré yo de suspiros, sabrás tú suspirar?”

Sobre el artista

José Luis Arbulú, graduado en la Escuela Nacional de Bellas Artes, posteriormente realizó estudios en  la Saint Martin’s School of Art de Londres y en la Academia Central de Bellas Artes de Beijing China. En su amplia trayectoria el artista es poseedor de múltiples Premios y distinciones, en el  año 2015 estuvo representando al Perú en la London Biennale  en Inglaterra y en la Sexta Bienal Internacional de Arte de Beijing en China.


Yvonne Sanguineti Galería de Arte
Av. Grau 810, Barranco
Inauguración: miércoles 28 de septiembre
Hora: a las 7.30 p.m.
Visitas: de lunes a sábado (11.00 a .m. a 8.00 p.m.)
Teléfonos: 2472999  /  99177481 

galeria@yvonnesanguinetigaleria.com








Alejo García y Olga Milla en el Jazz Zone de Miraflores




Concierto musical promete estar cargado de pura identidad e integración. Una presentación única e imposible de perdérsela.




El cancionista colombiano Alejo García llega a la ciudad de Lima, como parte de su gira internacional “Postales Sonoras al Sur”, donde se presentará junto a una de las voces más reconocidas de la cultura peruana: Olga Milla. El encuentro será este próximo 28 de septiembre en el Jazz Zone de Miraflores.

Alejo García ofrece en su música un mestizaje sonoro, en donde la tradición popular del continente americano se mezcla con el mundo contemporáneo. Con más de 20 años de trayectoria, en el 2002 inicia su carrera como solista y empieza a realizar conciertos en España, Estados Unidos, Austria, México, Argentina, Uruguay, Chile, Bolivia, Perú, Ecuador, Guatemala, Costa Rica, Panamá y a lo largo del territorio colombiano … en pueblos y ciudades que han enriquecido su música.


Ha compartido escenario con grandes artistas de talla mundial como Marta Gómez, Kevin Johansen, Alejandro Filio, Carlos Varela, Daniel Drexler, Aterciopelados, Andrés Cepeda y otros. En esta ocasión, a más de compartir la noche con Olga Milla, el guitarrista Edmundo Vargas, el cajonero Ernesto Sandoval, tendrá como invitados a artistas de trayectoria como Omar Camino y Junior Pacora. Su espectáculo en Lima forma parte de una gira que realizará por Perú, Ecuador y Argentina, donde participará además en festivales como “Dándole Cuerda” en la ciudad de Quito.

Olga Milla, cantautora e intérprete de música peruana y latinoamericana, ha sido una de las pioneras en producir música peruana como artista independiente en Estados Unidos. Sus 2 álbumes: Caricia y Repercusión: Baladas Afroperuanas y Otras Agitaciones, han tenido gran reconocimiento en Norte América y Europa donde residió por varios años. Desde su regreso al Perú, viene aportando al circuito musical que promueve y apuesta por la creatividad que beneficie a sus audiencias, siempre con programas memorables y que exploran aspectos de nuestra identidad.



Alejo García y Olga Milla
Miércoles 28 de septiembre
Jazz Zone
La Paz 656 (Pasaje El Suche) Miraflores
Entradas: S/ 35 soles
Hora 9:00 pm